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전시·프로젝트 기획서,
작품 간 연결과 메시지 구조를 설계합니다.
전시·프로젝트 기획서란?
전시·시리즈 프로젝트·콜렉션의 기획 논리, 배치 구조, 담론적 맥락을 설명하는 글입니다.
작품 전시 계획이 아닌 사유를 공간적 언어로 재배치하는 지적 설계도입니다.
즉, 작품이 무엇을 말하는지를 넘어서 이 작품들이 왜 이 순서로, 어떤 논리 아래 함께 존재해야 하는지를 해석하는 문서입니다.
학교는 이 글을 통해 지원자가 단순히 창작자(Artist)가 아니라 사유를 설계하는 큐레이터형 예술가(Curator–Thinker)인지를 평가합니다.
전시·프로젝트 기획서 평가 기준 3가지
학교는 Curatorial Statement을 통해 다음을 확인합니다.
-
시스템적 사고
작품 간 관계와 전시 구조를
논리적으로 구성하는 능력 -
기획 의도 명료화
전시의 핵심 메시지,
서사, 감각 구조 제시 -
비평적 맥락 제시
개인적 창작을
사회·문화·철학적 담론과 연결
RCA, UAL, Parsons, SAIC, Goldsmiths 등은 “We expect applicants to articulate curatorial thinking and rationale of their practice.”
즉, 자신의 작업을 하나의 큐레이션으로 사고할 수 있는가가 필수 평가 포인트입니다.
흔히 발생하는 실수들
혼자 작성할 때 특히 많이 하는 실수입니다.
| 🚫 잘못된 예 | 위험한 이유 |
|---|---|
| “이 전시는 나의 작품을 소개하기 위한 것입니다.” | 단순한 나열형 기획. 담론적 구조 없음 |
| “전시를 통해 감정을 표현하고 싶습니다.” | 감정 중심 진술. 논리 부재 |
| “작품은 공간에 따라 다르게 배치될 예정입니다.” | 구체적 구조·의도 결여 |
| “관객이 편하게 볼 수 있게 구성했습니다.” | 큐레이션의 개념적 주체성 부재 |
실수를 미리 방지하고 싶다면?
무료상담신청전시·프로젝트 기획서 기본 작성법
Curatorial Statement을 설득력 있게 완성하는 4단계 작성 가이드를 소개합니다.
-
1
서론 (Curatorial Concept)
전시 또는 시리즈의 핵심 개념 ex. “이 프로젝트는 불안이라는 감정이 물리적 공간 안에서 어떻게 형태를 얻는지를 탐구한다.”
-
2
중심 서사 및 구성 논리
(Narrative & Structure)ex. “세 개의 방으로 구성된 전시는 시간의 흐름 대신 감정의 밀도를 기준으로 배치된다. 첫 공간은 억압, 두 번째는 파열, 세 번째는 재구성의 과정을 상징한다.”
-
3
작품 간 관계 및 맥락
(Contextual Link)ex. “각 작품은 개별적으로는 자아의 조각이지만, 전체적으로는 집단 감정의 지형도를 구성한다.”
-
4
결론
(Intended Experience
/ Rationale)ex. “관객이 이 전시를 통해 느끼는 것은 감정의 공감이 아니라 사유의 이동이다. 이는 예술이 단순한 감정 전달을 넘어, 인식 전환의 장치가 될 수 있음을 제안한다.”
※ 위 구조는 edm아트유학 포트폴리오가 실제 합격 사례를 바탕으로 안내하는 기본 흐름이며, 지원 학교·전공·에세이 유형에 따라 문장 전략은 개별적으로 조정됩니다.
아트·디자인 지원자를 위한 핵심 포인트
전시·프로젝트 기획서의 완성도를 높이는 데 필요한 핵심 요소들을 확인해 보세요.
-
Point 1
작품 중심이 아닌 관계 중심으로 작성
Curatorial Statement는 작품을 설명하는 글이 아니라, 작품들 간의 관계를 사고하는 글입니다. 작품이 서로 어떤 대화를 나누는가가 핵심입니다.
-
Point 2
공간적 언어로 사고해야 함
글 속에서 위치, 흐름, 시선, 시간성이 살아 있어야 합니다.
ex. “시선이 한 점에서 퍼져나가듯, 작품의 서사는 원형으로 전개된다.”
-
Point 3
학교별 기획 언어 톤 파악
PCA / UAL: 비평적, 담론적, 구조 중심
Parsons / CMU: 사회적 이슈, 시스템적 사고 중심
SAIC / CalArts: 감각적 내러티브 + 시각적 공간 경험 중심
-
Point 4
포트폴리오·리서치·전시 구조 연결
Curatorial Statement는 Proposal·Artist Statement와 이어져야 합니다.
각 작품이 전시 내에서 어떤 역할을 하는지 명시적으로 드러내야 합니다
전시·프로젝트 기획서 작성 시 중요한 점
큐레이션 글은 단순한 기획서가 아니라, 공간적 사고를 언어로 번역하는 작업입니다.
학생이 혼자 작성하면 대부분 감정 중심 서사로 흐르고, 공간적 논리(배치·시선·구조)가 사라집니다.
각 학교는 전시·프로젝트 기획서에서 공간 구조 언어, 리듬, 논리적 배치 순서까지 평가합니다.
실제 합격 전시기획서 기반으로 서사 구조 매핑 → 공간 서술 편집 → 시각적 플로우 언어 설계를 진행해야 합니다.
아트 전문가와 함께 합격 가능성을 높여보세요.
무료상담신청전시·프로젝트 기획서 작성 가이드
지원자가 반드시 확인해야 할 핵심 자료입니다.
Title
“Between Silence and Surface”
Curatorial Statement for a Group Exhibition
Curatorial Statement for a Group Exhibition
Concept Overview
The exhibition Between Silence and Surface explores how contemporary artists reinterpret the tension between physical materiality and the intangible traces of digital communication. It brings together mixed-media installations, sound works, and interactive pieces that question how personal memory, identity, and presence are constructed in technologically mediated environments.
As a curator, my intention is to create a dialogue between tactile and immaterial experiences—where visitors move between spaces of quiet contemplation and sensorial overload, mirroring the rhythm of our digital lives.
As a curator, my intention is to create a dialogue between tactile and immaterial experiences—where visitors move between spaces of quiet contemplation and sensorial overload, mirroring the rhythm of our digital lives.
Curatorial Rationale
This proposal originates from my interest in how artists use materials not merely as media but as conceptual frameworks. The exhibition examines three thematic layers:
1. Material and Memory – how surfaces retain emotional or cultural histories.
2. Translation and Loss – what disappears when experiences are digitised or archived.
3. Bodies and Systems – how technology reshapes our physical and psychological boundaries.
The artists selected—working in video, textile, and sculpture—share a sensitivity toward the poetics of surface and erasure. The curatorial approach highlights process over product: each work is accompanied by traces of making, inviting audiences to witness transformation rather than completion.
1. Material and Memory – how surfaces retain emotional or cultural histories.
2. Translation and Loss – what disappears when experiences are digitised or archived.
3. Bodies and Systems – how technology reshapes our physical and psychological boundaries.
The artists selected—working in video, textile, and sculpture—share a sensitivity toward the poetics of surface and erasure. The curatorial approach highlights process over product: each work is accompanied by traces of making, inviting audiences to witness transformation rather than completion.
Spatial & Audience Approach
The spatial design follows a slow-looking principle. The layout alternates between open reflective zones and immersive installations to balance stillness and movement. Wall texts are concise, with QR-linked audio commentaries to encourage deeper engagement without visual distraction. Target audiences include design and fine-art students, emerging curators, and visitors interested in cross-disciplinary art that blurs the line between physical craft and digital mediation.
Expected Learning / Research Outcome
Through this curatorial framework, I aim to:
• Develop critical awareness of how digital aesthetics influence material practice.
• Examine curating as an interpretive translation between artist intent and audience perception.
• Expand curatorial writing to function as a reflective, discursive space rather than solely exhibition documentation.
• Develop critical awareness of how digital aesthetics influence material practice.
• Examine curating as an interpretive translation between artist intent and audience perception.
• Expand curatorial writing to function as a reflective, discursive space rather than solely exhibition documentation.
References / Inspirations
• Hito Steyerl, In Defense of the Poor Image (2009)
• Anselm Franke, Animism: Notes on an Exhibition (2010)
• Claire Bishop, Radical Museology (2013)
• Anselm Franke, Animism: Notes on an Exhibition (2010)
• Claire Bishop, Radical Museology (2013)
Structure → Project Proposal (500–800 words)
Sections: Rationale | Concept | Methodology | Evaluation Plan
Sections: Rationale | Concept | Methodology | Evaluation Plan
Title
Mapping Absence: Reframing Archives through Contemporary Curating
Rationale
This project stems from a personal engagement with institutional archives that often privilege material permanence over emotional resonance. I aim to explore how curatorial practice can function as an act of critical translation—revealing what is missing in archival narratives rather than reinforcing what is already documented.
Project Concept
Mapping Absence proposes an experimental exhibition and accompanying publication that repositions forgotten collections from UAL’s own archives through collaboration with emerging artists. Each participant reinterprets an archival item using installation, sound, or text to expose latent histories and suppressed voices.
Methodology
The curatorial process will be participatory and research-driven. Workshops will involve students from different UAL colleges to discuss memory, authorship, and institutional care. The exhibition design will emphasis spatial transparency—showing behind-the-scenes curatorial decisions to encourage dialogue between viewer and archive.
Evaluation Plan
Success will be measured by how effectively the exhibition provokes reflection on absence and authorship, documented through visitor feedback and critical reviews. The project aims to contribute to the discourse on “critical curating” within academic and public contexts. gues that affect-based curating must move beyond spectacle toward what Raymond Williams called structures of feeling—collective yet unstable frameworks for shared experience.
Structure → Concept | Context | Methodology | Impact
(700–900 words / Research-Proposal Style)
(700–900 words / Research-Proposal Style)
Title
Ecologies of Attention: Rehearsing Slow Curating in an Age of Acceleration
Concept
The proposal develops an experimental curatorial framework centred on “slow looking” as resistance to the attention-economy culture dominating contemporary art. It asks: how can exhibition-making re-establish a sustainable rhythm of seeing, learning, and relating?
Context
Within the RCA’s CCA programme, this project aligns with current debates around ecological thinking and affect theory. It builds upon precedents such as the Slow Futures exhibition (RCA, 2023) and institutional research into care-based curation.
Methodology
The curatorial methodology combines ethnographic observation, co-creation workshops, and iterative exhibition design. Collaborations with RCA Design Products and Textiles students will explore tactile interfaces that guide audience movement through sensory cues rather than text-heavy interpretation.
Impact & Contribution
By foregrounding attention as both resource and responsibility, the project contributes to the ongoing discourse of sustainable curating. It redefines curatorial labour as relational practice—cultivating empathy, patience, and presence in viewing. Outcomes include an exhibition prototype, critical essay, and reflective journal documenting process and failure alike.
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